Cine: El Rati Horror Show

Escrito el 15/09/2010 por Micaela Desprès

Cambiando notablemente de estilo y temática, me parece una buena oportunidad para rescatar un film/documental que se estrenó en el BAFICI de este año y que, por su repercusión, arribará al circuito comercial y a las principales salas de cine el 16 de Septiembre (o sea mañana :P). Se trata de El Rati Horror Show, último trabajo del multifacético Enrique Piñeyro, autor de Whisky Romeo Zulú y Fuerza Aérea Sociedad Anónima. Nuevamente apunta al análisis de los hechos y la denuncia para desenmarañar la manipulación de la verdad con el objetivo de encubrir los sucesos tal y como se produjeron, recurriendo también a la ironía y el humor. Y con un título tan bien logrado, al menos en principio, resulta atractiva la propuesta.

El Rati Horror Show se centra en la historia de Fernando Ariel Cabrera, condenado deliberada e injustamente a 30 años de prisión -que aún cumple en el Penal de Marcos Paz- por haber protagonizado, según la justicia, la denominada “Masacre de Pompeya” en 2005. Por aquel entonces, los medios afirmaban que un grupo de delincuentes habían atropellado a varios transeuntes mientras escapaban de la policía luego de una salidera bancaria. Aunque el acusado sostuvo que se trataba de una conspiración policial, el juez lo condenó igual. La película va relatando cómo se fraguó la causa contra Cabrera para encubrir un caso de gatillo facil, la manipulación de las pruebas y de los hechos, etc. Hay varias develaciones, y la peli va construyéndose como un thriller. Me hace acordar un poco a libros como Operación Masacre o Quién mató a Rosendo, del genial Rodolfo Walsh. Como dice el propio director: “Después de Whisky Romeo Zulú y Fuerza Aérea Sociedad Anónima llegó el fallo de Lapa y me consolidé como pesimista entusiasta que actúa como si las cosas fueran a cambiar”.

Esta reconstrucción es mucho más que una película, como sucede en casi todos los trabajos de Piñeyro, de frondoso currículum: es cineasta, actor, médico, piloto, investigador, activista, etc. Ya en 2004 sacudió a todos con Whisky Romeo Zulú, que narra la historia previa al accidente del avión de LAPA que, en 1999, se incendió luego de dar de lleno contra un terraplén en pleno aeroparque, provocando la muerte de 67 personas. Allí Piñeyro también actuó, mostrando una cadena de complicidades entre la empresa y la Fuerza Aérea para eludir controles y gastos, y obtener mayor rédito económico. También dirigió Fuerza Aérea Sociedad Anónima, en 2006, sobre el penoso estado de los controles aéreos en la Argentina por aquel entonces. Como actor y productor su lista se amplía notablemente.

Los dejo con el trailer


Llega la segunda peli de Detective Conan a CityFamily

Escrito el 13/09/2010 por Micaela Desprès

De vuelta por este querido blog y con una novedad local. Los últimos meses transcurrieron con pocas noticias de estrenos y novedades en la pantalla local. Pero Octubre trae, al menos uno: la señal CityFamily, de la familia de CityVibe y Movie City, confirmó el inminente estreno de una película de Detective Conan. Se trata en particular de Detective Conan: La decimocuarta víctima”, que es la segunda realizada en base al anime (de 14 que hay hechas hasta ahora a razón de una por año). Es decir que trata de una historia original, no basada directamente en el manga original. El estreno no tan estreno :P llega el miércoles 06 de Octubre por la señal codificada, a las 18.55 de la Argentina, con varias repeticiones posteriores. Para aprovechar el estreno como corresponde, aquí va un pequeño repaso.

Detective Conan: La Decimocuarta Víctima se estrenó originalmente en Japón el 18 de Abril de 1998 y se trata, como ya dije, de la segunda película de la saga, que ya lleva 14 en total. Es una adaptación surgida desde la longeva versión animada, que ya lleva algo así como 587 episodios, y no del manga, con 69 tomos a cuestas y contando, creado por Gosho Aoyama. El director de este segundo film es Kenji Kodama, el mismo de la serie de Tv, que repetiría labor en las siguientes cinco películas de Detective Conan. Luego tomaría la posta Yasuichiro Yamamoto, a partir de la octava película. Volviendo a la protagonista, la producción corrió a cargo nuevamente de TMS . El diseño de personajes corrió por cuenta de Masatomo Sudo, como en la serie y el resto de las pelis de Conan, mientras que la historia original para esta peli fue creada por Mitomu Asai (parte integrante del staff de producción de otros largometrajes de Conan) y Toyohiko Okurama (idem :P).

Detective Conan, en general, cuenta la historia de un joven de secundario llamado Shinichi Kudo, famoso detective adolescente y super inteligente. Un día, luego de un paseo con su amiga Ran Mouri, es atacado por un grupo de tipos, luego de presenciar lo que no debía. Pero en lugar de matarlo, el veneno que le administran lo convierte en un niño de 7 años. Decide adoptar una nueva identidad, para tratar de proteger a los suyos y, ahora haciéndose llamar Conan Edogawa, se traslada a la casa de Ren y su padre, el torpe detective Kogoro Mouri. Claro que ninguno de los dos sabe quién es en realidad.  Los tres, pero sobre todo él, resolverán casos e irán develando misterios. En el caso de Detective Conan: La Decimocuarta Víctima, un hombre que Kogoro arrestó hace 10 años sale finalmente de prisión. Poco tiempo después de su liberación, son asesinadas varias personas y familiares de los policías involucrados en la captura, entre ellos el propio Kogoro. A su vez, Ran tiene pesadillas: en ellas, a su madre Erin le disparan, misma situación que tuvo que atravesar cuando su papá arrestó al criminal recientemente liberado. ¿Qué tendrá que ver todo esto? Decir mucho más es arruinar la peli.

Así que ya saben. Por lo demás, si bien por ahora no se sabe si se estrenarán otras películas de Conan, al menos se podría especular conque podrían llegar más.

© Gosho Aoyama/Shogakukan • Yomiuri-TV • UNIVERSAL MUSIC • Sho-Pro • Toho • TMS

Un homenaje para un grande que se fue: Satoshi Kon

Escrito el 06/09/2010 por Micaela Desprès

El 24 de agosto de 2010, a la edad de 46 años,  falleció el director, escritor, guionista, editor y artista Satoshi Kon, afectado por un cáncer de páncreas. Mi primera reacción ante la noticia fue de profunda conmoción. Claro que pensé, como muchos de ustedes, en hacerle un post homenaje. Pero inicialmente me hizo algo de ruido, sobre todo porque me resulta bastante molesta la tendencia que se suele generar cuando muere algún autor, director o artista conocido: de pronto están todos sus libros/películas/loquesea a la venta, y nace un repentino y oportunista interés por su obra. Sin embargo, en el caso de Satoshi Kon, muchos conocemos su trabajo, admiramos honestamente su original estilo y lamentamos su prematura muerte. Así que vaya este post homenaje, lo más exhaustivo que pude, a un grande: para que aquellos que aún no vieron nada suyo, le den una merecida oportunidad.

Satoshi Kon nació el 12 de Octubre de 1963 en Kushiro, Hokkaido. Estudió en Musashino College of the Arts. Sus inicios laborales están ligados a otro gran artista japonés: Katsuhiro Otomo (mangaka, director y guionista, autor de la emblemática Akira, entre muchas otras) quien se convirtió en su maestro y fuente de inspiración. Con Otomo trabajó inicialmente tanto en el film como en la versión manga de World Apartment Horror, una retorcida historia de terror paranoide sobre un yakuza que intenta desalojar a un grupo de inmigrantes ilegales de un edificio. Posteriormente, Kon ingresaría al mundo del anime de la mano de Roujin Z, donde Otomo era el guionista y diseñador de mechas, y en la que Kon se hizo cargo del diseño artístico.  El delirante film era sobre un grupo de científicos que creaban un robot tipo cama de hospital para satisfacer todas las necesidades de su paciente, cuyo primer conejito de indias es un pobre viejo moribundo. También participaría de Memories, un trabajo de animación que comprendía tres cortos basados en guiones de Otomo, donde Kon quedaría a cargo de uno de ellos: Magnetic Rose. Memories fue comercializada en Argentina por LK-Tel bajo el nombre “Recuerdos Peligrosos” y también emitida -bajo su nombre original- por Cinemax, I.Sat y Cartoon Network.

Pero su gran debut independiente y propio llegaría en 1997 con el film Perfect Blue, pensado originalmente como OVA. Cabe aclarar que todos sus trabajos serían producidos por la gente de Madhouse. Volviendo a su primer trabajo en solitario, este thriller psicológico transcurre alrededor del complicado mundo de las idols japonesas y se centra en una chica, cantante principal de un grupo, que logra subir al estrellato como estrella pop, pero que se ve rodeada por una serie de acontecimientos que cambian su percepción y van deformando su mirada. Paranoide film donde Kon empieza a mostrar su predilección y talento por mezclar realidad y fantasía. Misma estrategia siguió en su siguiente película, Millenium Actress, estrenada en 2001: un grupo de periodistas deciden filmar un documental sobre una actriz ya retirada, de edad avanzada, para que les cuente sobre su vida, su historia y sus recuerdos de juventud.  Empiezan a entremezclarse los planos, y los interlocutores se ven trasladados al propio relato de la anciana. Humor, fantasía y un repaso sobre la historia del siglo XX llenan este delicioso film.

Pero eso sería sólo el principio: la gran repercusión internacional le llegaría con el film Tokyo Godfathers (2003), donde se aleja del thriller psicológico intrincado. Tres vagabundos encuentran a una bebé abandonada en un tacho de basura, justa la noche de Navidad. Mientras intentan encontrar a sus padres se irán descubriendo sus propias historias de vida. En Argentina fue comercializada en DVD por LK-Tel y emitida por Telefé, Animax, Cinemax, I.Sat y Cartoon Network. Su incursión televisiva más representativa, y la única, es Paranoia Agent, de 13 episodios.  El propio Kon reconoció que varias de las historias que llenan la serie fueron ideadas, y descartadas, durante sus trabajos anteriores. Como no iban encajando con lo que hacía, decidió compilarlas en una serie. La genial Paranoia Agent arranca con un grupo de policías que investigan extraños casos de agresión física a personas, con algo en común: las víctimas dicen haber sido golpeadas por un chico en patines que lleva un bate de beisbol. Cada nuevo caso va aportando pistas para reconstruir el rompecabezas, pero por supuesto que nada es lo que parece, las realidades y los tiempos se mezclan, y la serie toma un rumbo complejo y absolutamente atrapante.

En 2006 llegaría Paprika, confusa y compleja película si las hay. Basada en la novela homónima de Yasutaka TsuTsui, se ubica en un futuro cercano donde la psiquiatra Atsuko Chiba creó un dispositivo que permite acceder a los sueños de las personas y explorar sus inconcientes, donde ella utiliza el apodo Paprika. Pero uno de los prototipos es robado por un grupo de gente que lo utiliza para invadir y destruir conciencias. También fue emitida por Cinemax y llegó en DVD a través de LK-Tel.

Algunos años más tarde se involucraría con el proyecto Ani*kuri 15, una serie de cortos de un minuto que servían de separadores para los distintos segmentos del programa del mismo nombre. Este proyecto tuvo como protagonistas a varios directores de renombre como Shoji Kawamoru (Macross) y Mamoru Oshii (Ghost in the Shell). El que le tocó a Kon se llamó Good Morning, con la estampa del director. Justo antes de morir, Kon estaba realizando su más reciente trabajo, la película Dream Machine (Yume-miru Kikai), una especie de “road movie” protagonizada exclusivamente por robots, que combina ciencia ficción, aventura y fantasía, con los elementos clásicos del cine de Kon, pero que parece que estará destinada para un público más joven del habitual. Consciente de que difícilmente llegaría a finalizar la película, Kon le explicó la situación a la gente de Madhouse y ésta le confirmó antes de su fallecimiento que su equipo de trabajo terminará su obra, respetando sus ideas y estilos.

Sí, es un repaso rápido y muy por arriba, pero la idea es que sirva para recordarlo, para que quienes nunca vieron nada suyo aprovechen la oportunidad, y para que su ausencia no nos pase rápida y desapercibida. Consciente hace tiempo de su enfermedad, terminal e inevitable, dejó un mensaje para sus fans, que es posible encontrar en internet. Los dejo con su saludo: “Con mi corazón lleno de gratitud por todo lo bueno del mundo, dejo mi pluma. Ahora si me disculpan, me tengo que ir”.


Cine: Dorian Grey

Escrito el 02/09/2010 por Micaela Desprès

El clásico y maravilloso libro de Oscar Wilde sigue generando adaptaciones y nuevas versiones, aunque cueste tanto llegar al nivel de la obra original. Esta vez, la pantalla grande vuelve a crear un film basado en el genial personaje, llamado simplemente “Dorian Grey”, que se estrenará en la Argentina el 28 de Octubre de 2010, aunque con el nombre del libro: “El Retrato de Dorian Grey”. Como si hiciera falta aclarar de dónde sale. En fin. En cuanto a la obra que sirve de inspiración, llamada originalmente The Picture of Dorian Gray, se trata de la única novela publicada por Oscar Wilde, que había aparecido como la historia principal de la revista literaria Lippincott´s Monthly Magazine en Julio de 1890. Esta fue la primera versión de la obra, que luego Wilde editó, modificó, suavizó y amplió, para volver a ser publicada en Abril de 1891.

En cuanto a la historia de la novela, ésta cuenta la historia del joven Dorian Grey, modelo del artista Basil Hallward, que queda fascinado por la belleza de Dorian y comienza a encapricharse con él, creyendo que esta belleza es la responsable de la nueva forma de su arte. Charlando en el jardín de Basil, Dorian conoce a Lord Henry Wotton, amigo de Basil, quien lo cautiva por su particular visión del mundo. Lord Henry sostiene cosas como que “lo único que vale la pena en la vida es la belleza, y la satisfacción de los sentidos”. Al darse cuenta de que un día su belleza se desvanecerá, Dorian desea tener siempre la edad del cuadro de Basil, pedido que se le cumple: así como la persona mantiene para siempre la misma apariencia perfecta del cuadro, la figura en él retratada envejece en su lugar. La búsqueda del placer y de la satisfacción de los sentidos lo llevarán a cometer diversos actos, mientras que el retrato va sirviendo de recordatorio de los efectos no sólo del paso natural del tiempo, sino también de las acciones que comete Dorian y traen efectos sobre su alma.

La novela generó una enorme controversia cuando fue publicada, tocando sin tapujos temas como la vanidad, el narcisimo, el hedonismo, etc. en una sociedad pacata y conservadora que aún consideraba a la homosexualidad como un delito que merecía la carcel.  En el juicio que se le hizo a Wilde justamente por su elección sexual, se usaron pasajes del libro para demostrar la “perversión” en la que había caído, a través de las relaciones que el libro insinuaba entre los personajes. Tanta fuerza en una obra no podía pasar desapercibida, así que las adaptaciones no se hicieron esperar: ya en 1910 podemos encontrar la primera película, a la que le seguirían una enorme lista. También hay representaciones musicales, obras de teatro, libros, etc.

En el caso que nos toca hoy, se trata de un film de Oliver Parker (que ya adaptó otro clásico, Othello, allá por 1995). Con algunas diferencias en la trama respecto de la novela original, la peli pretende igual adaptarla lo más fielmente posible. Justamente el guión es del debutante Toby Finlay. Ben Barnes (Caspian en las pelis de The Chronicles of Narnia) es Dorian, Colin Firth (Mark Darcy en la saga de pelis de Bridget Jones) es Lord Henry Wotton y Ben Chaplin es Basil Hallward. El film se estrenó en el Reino Unido en septiembre de 2009, a USA llegó el 24 de agosto de 2010 y a la Argentina, el 28 de Octubre de 2010. Acá abajo tienen el trailer.


Repaso nostálgico: Jem and The Holograms

Escrito el 30/08/2010 por Micaela Desprès

A lo largo de los ya numerosos repasos nostálgicos, en los que apelamos al más puro golpe bajo, hubo pedidos variados sobre series de la más diversa índole. Uno de ellos es este clásico absoluto de los 80, con todos los ingredientes arquetípicos de esa década, sus extraños gustos y modas. Porque como me dijo alguien alguna vez, en aquella época veíamos cualquier dibujito de colores que se moviera. Y Jem and The Holograms tenía mucho de eso. Convengamos que también tenía canciones pegadizas, mucho rosa chicle y peinados batidos, e intrincadas relaciones amorosas. Dado que es una serie recordada por varios de esa generación, aquí va su merecido repaso.

Como en muchas series antiguas, todo nació con una serie de muñecos. En este caso, y para intentar hacerle algo de competencia al dominante mercado de las Barbies, la gente de Hasbro contrató al diseñador Bill D. Sanders para que, junto a Barbara y Joe Hyland, creara su propia línea de muñecas. El resultado fue una especie de “Barbies”, pero medio rockeras, con peinados y ropa acordes, que formaban su propia banda. Incluso venían con un cassette para que las niñas pudieran seguir los temas. Ni lentos ni perezosos, los de Hasbro pensaron que, ya que estaban, podían llevar el negocio un poco más allá. Volvieron a poner sus mentes en funcionamiento y decidieron hacer un dibujo animado que promocionara a las muñecas. La idea inicial, o al menos eso se comenta por ahí, era que fueran hombres con “alteregos” femeninos que formaban la banda. La cantante iba a llamarse “M” pero como no puede registrarse una letra como marca, optaron finalmente por “Jem an the Holograms”. Así como con el tema de los géneros, teniendo en cuenta la moralina y la reacción paternal a la que podía dar lugar.

Finalmente, entonces, Hasbro le otorgó la licencia a la agencia Griffin-Bacal Advertising, dueña de la productora Sunbow Productions, para que le diera vida a las chicas, así como anteriormente (junto a Marvel Productions) había creado la serie animada de G. I. Joe, también nacida de una serie de muñecos de Hasbro. Para los guiones contrataron a Christy Marx, que había cumplido el mismo papel también para la serie de los soldaditos yankees, que escribió 22 de los 65 episodios finales que tuvo la serie, divididos en tres temporadas. Pero es considerada como el cerebro de la serie, porque fue quien creó el concepto principal, los personajes, la idea de Synergy, el triángulo amoros principal, etc. Para el resto, el cast de guionistas fue variando, cumpliendo básicamente una tarea de relleno. Jem an the Holograms se emitió originalmente entre el 06 de octubre de 1985 y el 02 de mayo de 1988 y contó con la animación del estudio japonés Toei Doga (actualmente Toei Animation). El trabajo hecho en la apertura era excepcional, teniendo en cuenta la época, pero la calidad caía estrepitosamente al “interior” de la serie, con movimientos más acordes a los avances de la época. Se gastaron todo para la apertura, parece :P

En cuanto a la trama, ésta giraba en torno a las hermanas Jerrica y Kimber Benton. La historia arranca con la repentina muerte de su padre Emmett, inventor, y dueño no sólo del sello discográfico Starlight Music sino también del hogar para huérfanas Starlight Foundation, creado por su también fallecida mamá Jacqui Benton. Jerrica tendrá que hacerse cargo de la nueva situación, en la que se verá enfrentada al corrupto e inescrupuloso de Eric Raymond, ex asistente de Emmett que intenta ahora apoderarse de la compañía, ganar mucho dinero y demás. La joven de Jerrica se las verá medio crudas al principio, pero sólo hasta el día de su cumple, cuando recibe unos aros en forma de estrella, legado de su padre. Al ponérselos se le presenta un holograma, llamado Synergy, que guía a Jerrica, Kimber y sus amigas Aja y Shana hasta un lugar oculto donde se esconde el principal legado de Emmett: la computadora central de Synergy, capaz de crear hologramas de gran realismo. Allá hay además variados instrumentos musicales, toda la ropa imaginable y un auto. Así es como las chicas deciden transformarse en Jem and The Holograms, lanzarse a la escena musical y hacerle pelea a Eric Raymond y su grupo: The Misfits (integrado por Pizzazz, Roxy y Stormer). Lo más loco era que Jerrica tenía a su novio bueno y considerado, Rio Pacheco, que curiosamente también estaba enamorado de Jem, formando el retorcido y principal triángulo amoroso. En la tercera temporada introducen una nueva banda a la competencia: The Stingers. Posteriormente también se incorpora Carmen “Raya” Alonso al grupo de Jem.

La serie tenia una estructura bastante circular y repetitiva, como la mayoría de los dibujitos en aquella época. Los episodios solían ser autoconclusivos. La voz cantante de Jem la ponía Britta Philipps, una intérprete de jingles yankee. Los autores de los temas, tanto de The Holograms como de las otras bandas, fueron Ford Kinder y Anne Bryant, pero nunca hubo una banda fija ni real que interpretara los temas. Tampoco fue lanzado ningún Soundtrack de la serie. En cuanto a su duración, en cuanto Hasbro vio que las ventas de sus muñecas no se sostenían, decidió cancelar la serie de forma bastante abrupta, dejando sin resolver los conflictos más importantes que estructuraban a Jem and The Holograms. Pero los negocios siempre afloran y en este actual “revival” de cosas viejas, Hasbro parece haber mostrado cierto interés por mantener y actualizar la propiedad intelectual sobre el producto. Aunque no se comentó nada oficialmente, Christy Marx sí transmitió sus ganas de hacer una versión más moderna de Jem. Las películas de G.I. Joe y Tranformers parecen dar algunos indicios de que esto es, al menos, posible. Habrá que esperar. En nuestro país la emitieron varios canales, entre ellos el recordado Cablín y Canal 9.

La intro


Cine: Resident Evil Afterlife

Escrito el 25/08/2010 por Micaela Desprès

La exitosa franquicia no sólo sigue creando juegos sino también películas, que se suceden producto de la siempre exitosa repercusión a la que dan lugar. La innovación esta vez es que podremos verla en formato 3D, como no podía ser de otra forma dada la tendencia actual. Así es como Milla Jovovich vuelve a ponerse el traje de Alice y a cargar las armas para Residente Evil 4: Afterlife, que se estrena en USA el 10 de Septiembre y llega a la Argentina un poquito después, exactamente el 14 de Octubre.

La saga de videojuegos de Resident Evil, conocida en Japón como Biohazard, fue desarrollada por Capcom y creada por Shinji Mikami. El primer lanzamiento fue en 1996, con el primer videojuego homónimo, al que le siguieron las siguientes entregas, de la trama principal: Resident Evil 2 (1998), Resident Evil 3: Nemesis (1999), Resident Evil Code: Veronica (2000), Resident Evil Zero (2002), Resident Evil 4 (2006) y Resident Evil 5 (2009). Cabe aclarar que el primero tuvo una remake, que pasó a ser canónica. Después están los ubicados en universos alternativos, como el Resident Evil Survivor (2000) y otros que, aunque se supone que son canónicos y siguen a la trama principal, en realidad hacen un poco lo que se les canta, como el Resident Evil: The Umbrella Chronicles (2006), que cuenta lo sucedido entre Code Veronica y R.E. 4. Necesitaríamos un post exclusivo para hablar de esta franquicia, así mejor seguimos con el objetivo principal de este post.

En cuanto a las adaptaciones, éstas no se hicieron esperar, y las hay en los más variados formatos: comics (desde los clásicos yankees, publicados por Marvel, Image o Wildstrom, hasta los no tan clásicos manhuas), novelas (que son siete en total, escritas todas por S.D. Perry), el largometraje animado hecho por los ponjas llamado Resident Evil Degeneration (2008), con serios pozos argumentales, y las películas live action yankees, claro. Además se hicieron infinidad de figuras de acción, álbumes, libros de estrategias y demás merchandising. Deteniéndonos en las películas live action, la cosa arrancó en 2002 con Resident Evil (que tomaba elementos de los primeros dos juegos), luego siguieron Resident Evil Apocalypse, Resident Evil Extinction y la que nos convoca: Resident Evil Afterlife, que tomará elementos de los juegos 4 y 5 de la saga. Nuevamente protagonizada por Milla Jovovich y dirigida por su marido Paul W. S. Anderson, el film continúa donde dejó el anterior, con Alice buscando nuevos sobrevivientes, perseguida por la Corporación Umbrella y evitando zombies. Aparecen nuevos personajes de los juegos, que hasta ahora no se habían visto en las pelis, como Chris Redfield (interpretado por Wentworth Miller, el de Prison Break). El sistema utilizado para la filmación en 3D es el mismo que fue desarrollado por James Cameron.

El trailer


Repaso comparativo: Gantz

Escrito el 23/08/2010 por Micaela Desprès

Y finalmente le llegó el turno a uno de los seinen más aclamados de los últimos tiempos, un fabuloso manga que no sólo tiene su adaptación a anime, sino que pronto también tendrá su versión live action: por supuesto que hablamos de Gantz, creado por Hiroya Oku y que Ivrea publica en formato idéntico al japonés, respetando incluso el lujoso laqueado de sus tapas, con el tomo 11 ya a la venta. Tamaña obra se merecía su completo repaso, para que nadie se quede sin conocerla.

El manga de Gantz comenzó sus andadas en la Weekly Shonen Jump de Shueisha, en Octubre de 2000, con el primer tomo recopilatorio salido el 11 de Diciembre de ese mismo año. En Japón ya lleva 28 tankoubons, más de 324 capítulos y sigue. La Fase Dos finalizó en el tomo 27 y ya comenzó la Tercera, que pretende ser la última. En cuanto a la edición de Ivrea, está comenzando la etapa más emblemática del manga, con la formación DEL grupo de Gantz. Volviendo a las generalidades, su autor es Hiroya Oku, cuyo primer gran éxito fue HEN, serializado en la Young Jump entre 1988 y 1997, y que se dividió en dos series: una de 13 tomos y otra de 8.  Sin embargo, la popularidad de su primera obra no se compara con el boom que generó cuando sacó el manga que ahora nos convoca, repleto de acción, violencia, sexo y una trama adulta y compleja.

En cuanto a la trama, para no spoilearle a nadie nada, basta con decir que dos estudiantes, Kei Kurono y Masaru Kato, mueren tras ser atropellados por un subterráneo. Pero, posteriormente al fatídico episodio, terminan apareciendo de golpe en una extraña habitación, en un indefinido edificio de Tokyo, junto a otro grupo de gente y una curiosa esfera negra en el medio. Pronto descubren que no pueden abandonar el lugar, que verdaderamente están muertos, pero que ahora su vida pertenece a algo llamado “Gantz”. La esfera los equipa con armas, trajes y rastreadores para cumplir misiones de aniquilación de aliens que viven de incógnito en la tierra. Si sobreviven, vuelven a sus vidas habituales hasta un nuevo llamado de Gantz. Si no lo logran, su muerte será definitiva. Quién es, por qué sucede eso, qué reacciones genera en cada uno son cuestiones que van develándose (o no :P) con el correr de los tomos. Es una montaña rusa que apenas si te da un pequeño respiro, para prepararte para la próxima caída, que en general es más fuerte que la anterior.

En lo que a adaptaciones se refiere, cabe empezar por nombrar a la serie de TV, que contó con 26 capítulos divididos en dos temporadas. La primera se emitió originalmente entre el 12 de Abril y el 26 de Junio de 2004 (con 13 episodios); y la segunda, entre el 26 de Agosto y el 18 de Noviembre de 2004 (también con 13, obvio :P).  La producción corrió por cuenta de la gente de Gonzo, con dirección de Ichiro Itano (Angel Cop), aunque el cerebro detrás de la composición de la serie es Masashi Sogo (Bleach; The Prince of Tennis). Los respetuosos diseños de los personajes estuvieron a cargo de Naoyuki Onda (Ergo Proxy, Wolf ´s Rain).Yendo a la trama del anime, ésta adapta aproximadamente hasta lo que sería el capítulo 92 del manga (correspondiente al tomo 8), pero sólo hasta el episodio 21. A partir de ahí, lo que sigue es inventado y se aleja del comic. Si bien tiene escenas de sexo y violencia, gran parte de la escencia del manga, el anime se queda bastante corto ya que adapta apenas las primeras historias y se saltea otras. En Argentina fue emitido por Animax hasta hace poco, y el doblaje fue realizado en Venezuela.

Además, fue serializada la novela Gantz/Minus, que empezó a salir en la Young Jump durante los meses que el manga se tomó un descanso. Escrita por Masatoshi Kusakabe y con ilustraciones de Yusuke Kozaki, este spin off literario está ubicado justo antes del comienzo de la serie y se centra en los personajes de Izumi y Nishi. También cabe nombrar al videojuego para Play2 creado por Konami, y el Gantz/Manual, un libro publicado también por Shueisha que contiene resúmenes de capítulos, descripción de personajes y algunos otros detalles extras sobre el “detrás de escena” del manga.

Pero la novedad más reciente del universo Gantz es la próxima adaptación live action del manga, sobre la que ya hablamos hace algún tiempito aquí en Ivreality, en este post. Lo que podemos decir al respecto nuevamente es que se trata en realidad de una única película, dividida en dos partes: la primera planea estrenarse en Enero de 2011 y la segunda, en algún momento de la primavera ponja de ese año. Los films están dirigidos por Shinsuke Sato (The Princess Blade; Oblivion Island: Haruka and the Magic Mirror) y protagonizados por Kazunari Ninomiya (actor, idol, cantante, seiyu e integrante de la banda ponja Arashi. Se hizo conocido mundialmente por intepretar el papel del soldado Saigo en el film “Cartas desde Iwo Jima, dirigida por Clint Eastwood) como Kei Kurono y Kenichi Matsuyama (actor, hizo de L en las versiones live action de Death Note) como Masaru Kato. Cuenta además con las actuaciones de Kanata Hongo (Shin Okazaki en Nana2) como Joichiro Nishi; Yuriko Yoshitaka como Tae Kojima y Natsuna Watanabe como Kei Kishimoto. Habrá que esperar para ver qué tan fiel es la adaptación.

© 2004 Hiroya Oku / SHUEISHA • GANTZ Partners.  GANTZ © 2000 by Hiroya Oku/SHUEISHA Inc. ©2011 「GANTZ」 FILM PARTNERS

Repaso nostálgico: Osos Gummi

Escrito el 16/08/2010 por Micaela Desprès

El otro día, pensando en qué serie podía comentar por estos lados, me acordé de ellos de golpe. Miré mi biblioteca y vi el peluche de uno de los personajes, Gruffi, que mi tío me trajo una vez de un viaje cuando yo era chiquita, con la excusa de que teníamos el mismo caracter (patrañas). Y me sobresalté al pensar que no la había repasado, cuando me pasaba horas viéndolos. ¿Alguien más que yo se acuerda de los ositos Gummi?, ¿Esos que tomaban el “brebaje” y saltaban como locos? Créase o no, se trata además de la primera producción animada de Walt Disney Animation Television.

Ya veo que la mayoría no la recuerda y me quedó con la emoción colgada xD. Pero para los que sí, allá vamos. Disney’s Adventures of the Gummi Bears, tal su nombre completo en inglés (acá traducido como Las Aventuras de los Ositos Gummi de Disney) fue una popular serie animada allá por fines de los 80, protagonizada por un grupo de ositos muy ligeramente inspirados en los caramelos tipo gomitas con forma de osos. O al menos eso se dice por ahí. Incluso el rumor es que a uno de los directivos de la compañía se le prendió la lamparita luego de que su hija le pididera comer esa golosina. Sea como sea, la serie fue emitida originalmente en USA entre el 14 de Septiembre de 1985 y el 22 de febrero de 1991. Contó con un total de 65 episodios, y es una de las pocas de la factoría Dinsey que tiene un final posta, que cierra la historia. Es considerada como la primera gran serie animada de Disney, sobre todo en cuanto a contenido y regularidad, y que colaboró mucho con el boom de dibujitos de fines de los 80 y principios de los 90. No es que fuera la serie con más episodios, pero sí fue la que más años duró al aire. Fue creada por Jymn Magon, cerebro detrás de otras series clásicas de Disney como Duck Tales (Las Pato Aventuras), Winnie The Pooh y un largo etcétera, junto a Art Vitello, responsable de la serie Taz Mania.

La trama giraba en torno a las aventuras del último remanente de la civilización de los Ositos Gummi, unos osos antropomórficos que durante mucho tiempo habían vivido con los humanos hasta que éstos, celosos de los descubrimientos mágicos y las capacidades que despertaban, los forzaron al exilio. Considerados por los seres humanos como un cuento de hadas, los seis sobrevivientes y protagonistas de la serie (que son los que arrancan, aunque luego este número varía) se esconden en el reino de Dunwyn, bajo tierra, en la colonia Gummi Glen (Cañada Gummi). La serie arranca cuando los descubre un chico llamado Cavin, que tiene un medallón Gummi que le heredó su abuelo. A pesar de la inicial desconfianza hacia el humano, pronto se convierte en su amigo y, gracias al medallón, logran liberar el libro Gummi que contiene todo el conocimiento acumulado por sus ancestros. Lo más copado era cuando tomaban el jugo de Gomi-baya, hecho por ellos mismos, que, muy al estilo de la Poción Mágica de Asterix, les daba a los ositos la capacidad de saltar muy alto y rebotar por tiempo ilimitado. En los humanos, les da fuerza ilimitada por un breve tiempo, pero sólo pueden usarlo una vez al día. Los Gummi iniciales eran Gruffi, Zummi, Grammi, Tummi, Sunni y Cubbi, a los que luego se suma Gusto ya que descubrirán que no son los únicos sobrevivienets del clan Gummi. Su gran enemigo es el Duque Igthorn, que quiere hacerse con todos los secretos mágicos, aunque también había otros.

Y ustedes, ¿se acuerdan?

La intro en castellano (se ve medio feo, pero no había muchas opciones)

La original


The Last Airbender: adaptaciones y continuaciones

Escrito el 11/08/2010 por Micaela Desprès

Luego de hablar sobre el principio de la leyenda de Aang, y de meternos en algunos aspectos de la serie, pasamos a la tercera y última etapa, al menos por ahora. En lo que a materia de adaptaciones de la serie se refiere, Avatar contó -en principio- con una trilogía de videojuegos, titulados Avatar: The Last Airbender (salido el 10 de Octubre de 2006), Avatar: The Last Airbender – The Burning Earth (16 de Octubre de 2007) y Avatar: The Last Airbender – Into the Inferno (13 de Octubre de 2008). Obviamente, cada uno se basa (libremente) en uno de los Tres Libros de la serie de tv. Además salieron comics, tanto bajo un formato tipo “Art Book”, con todo el arte de la serie, como historias cortas que unen lo que sucede entre cada Libro. Pero el gran batacazo lo dio la noticia de una adptación Live Action de la serie de Tv, que pretende tomar la forma de una trilogía. La primera parte se estrenó en USA el 01/07/2010 y recibió una catarata de críticas despiadadas. Pero particularmente creo que hay que ver para criticar así que, por ahora, me limitaré a darles los detalles más importantes de esta super producción.

La idea de una película que adaptara el Libro Uno de la serie de Tv se anunció hace mucho, allá por 2007. Y con la presentación del proyecto también se anunció que su director sería M. Night Shyamalan, que se metió en la gran industria con la sorprendente Sexto Sentido y que luego generó productos cinematográficos como La Aldea o La Dama en el Agua. Para 2008 ya estaba elegido el cast de actores: Noah Ringer como Aang, Jackson Rathbone (Jasper Hale en la saga Crepúsculo) como Sokka, Nicola Peltz como Katara y Dev Patel (Jamal Malik en Slumdog Millionaire) como Zuko, que reemplazó en 2009 a Jessy McCartney (quien había sido originalmente elegido para ese papel). El temita fue el título de la peli, debido a los reclamos de James Cameron y su Avatar: según el canoso director, el nombre le pertenecía desde mucho antes que existiera la serie, así que se quedó con el “Avatar“, y la peli de Aang pasó a llamarse “The Last Airbender”. Aunque Avatar habrá uno solo :P

El propio Shyamalan no es muy adepto a esto de hacer films con guiones ajenos, o al menos creados en base a una idea ajena, pero quien lo convenció esta vez fue su hija, muy fanática de la serie. Dice que, después de verla, quedó fascinado y enseguida aceptó la propuesta. Tuvieron algunos inconvenientes con los actores, sobre todo a la hora de seleccionar a quien interpretaría a Aang. Así que abrió un casting para novatos actores que encajaran con el perfil. Después se le fue el que iba a hacer de Suko, pero enseguida pudo contar con Dev Patel. La idea original era hacer una trilogía, con Shyamalan como director, pero no hay confirmación oficial. Tampoco puede descartarse que decidan hacer algunos cambios, dada la terrible repercusión de la primera película, que se estrena mañana en Argentina. Saldrá también en formato 3D. Yéndonos un poco de tema, debo decir que la película Inception (El Origen) demuestra que grandes presupuestos pueden crear grandes ideas. No hay excusa para que un film con el potencial de Avatar sea mediocre.

Pero para no terminar el post tan abajo, la gente de Nickelodeon ya le puso fecha a la “continuación” de la serie de Tv de Avatar: El último maestro Aire. Se trata de una miniserie de 12 capítulos, a estrenarse tentativamente en 2011, y que por ahora lleva el título de “Avatar: The Legend of Korra”. Estará ubicada 70 años después del final del Libro Tres y su protagonista es nada menos que la nueva reencarnación del Avatar, esta vez proveniente de la Tribu Agua del Sur: la joven Korra. Esta muchacha temperal e independiente, a diferencia de cómo Aang empieza en la serie, ya domina la tierra-control, el fuego-control y el agua-control, pero le falta el aire-control. Y será Tenzin, hijo de Aang y Katara, quien le enseñe a dominar el elemento que le falta. Parte de la trama girará en torno a Republic City, una ciudad habitada por gente de las cuatro naciones, donde empieza a organizarse un grupo “anti control de elementos” que parece querer desordenar la pacífica convivencia.


Oootra remake animada de Dragon Ball Z!

Escrito el 10/08/2010 por Juan Ignacio Quiroga

Ni lentos ni perezosos, los amigos de Namco Bandai han recuperado del vasto archivo de Toei Animation una de las animaciones más oscuras y menos difundidas sobre Dragon Ball Z para ofrecérsela a las nuevas generaciones: el OVA “El plan para destruir a los Super Saiyajines“, originalmente editado en 1993 como una suerte de guía animada para el título homónimo editado para la consola FamiCom (la Nintendo 8 bits) en Japón. La remake de esta producción será incluida como extra en el videojuego Dragon Ball Z Raging Blast 2 para las consolas PlayStation 3 y XBOX 360.

“El plan para destruir a los Super Saiyajines” (Saiyajin Zetsumetsu Keikaku) contaba acerca del plan del Dr. Raichi (un sobreviviente de la devastada raza Tsufur) en venganza contra los Saiyajines que quedan, que consiste en enfrentarlos contra clones de varios de sus enemigos. Un recurso bastante trillado pero siempre efectivo. Como dato extra se puede mencionar que la animación de este OVA clásico también fue utilizada para el gameplay de la versión del videojuego para la consola educativa Playdia, allá por 1994. También vale decir que esta animación, por sus características, nunca fue comercializada en occidente y sólo vio la luz en Japón en dos VHS hasta la llegada del Dragon Box Z, una recopilación de lujo en DVD editada en 2003.


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