Repaso comparativo: Tenjho Tenge

Escrito el 09/08/2010 por Micaela Desprès

Tenjho Tenge es un claro ejemplo de cómo puede conseguirse un gran producto, con una historia y personajes que van enriquecéndose con el correr de los capítulos, mezclando todos los elementos arquetípicos a los que se suele recurrir para conseguir una serie exitosa: peleas, fanservice, el pasado que vuelve para afectar el presente, elementos sobrenaturales, etc.  En el caso de TenTen, el manga empieza pequeño y tradicional, pero enseguida toma vuelo y se complejiza, ganando en profundidad y enriqueciéndose en contexto: lo que inicialmente parecían puras peleas y minas voluptuosas, va descubriendo motivos y justificaciones. Es como ir encontrando el cuerpo del iceberg bajo la superficie del agua. Ivrea ya lleva publicados los 9 primeros volúmenes de TenTen, con el décimo pronto a salir, en idéntico formato al japonés.

Su autor es Oogure Ito (Himiko Den -también publicado por Ivrea; Air Gear), más conocido por el seudónimo que usa en sus publicaciones: Oh! great, que es un juego de palabras hecho con su nombre en japonés (para los ponjas, la expresión Oh! great se pronuncia muy parecido al nombre de Oogure Ito). Respecto al título del manga, su traducción literal sería “Sobre el cielo, Bajo el cielo”, pero también puede vinculárselo con la leyenda budista. Según ésta, luego de nacer, Buda caminó siete pasos, apuntó con su mano derecha al cielo y con su izqueirda a la tierra y dijo “Tenjou Tenge Yuiga Dokuson”, que sería algo así como “Bajo el cielo, sobre el cielo, yo sólo soy digno de honor”.

El manga de Tenjho Tenge, que acaba de terminar en Japón con 22 volúmenes, empezó a serializarse originalmente en la Ultra Jump de Shueisha, desde Mayo de 1998. Respecto a la historia, la trama (en líneas muuuuy generales) arranca cuando Souichiro Nagi y Bob Makihara se cambian de escuela con el único objetivo de pelerase con cualquiera que se les cruce. Cargan con el nada desdeñable historial de 99 escuelas derrotadas, y quieren llegar a las 100. El problema cuando llegan a la Academia Toudou es que ignoran por completo que, en ella, los profesores se dedican casi exclusivamente a enseñar ténicas de combate, con el propósito de mantener vivas las ensañanzas de las artes marciales milenarias. Allí se cruzarán con las hermanas Maya y Aya Natsume, y con Masataka Takayanagi, integrantes del Club Jyuuken, el único de toda la escuela que aún se opone a los dictámenes del Consejo Ejecutor, formado por los estudiantes más fuertes de la escuela, que imponen dictatorialmente sus medidas. Su director es Mitsuomi Takayanagi, hermano de Masataka. Este Consejo decide echar a los recién llegados, quienes para evitarlo se unen al Club Jyuuken. Sin embargo, pronto descubrirán que detrás de la pelea entre el Club y el Consejo hay una larga y trágica historia. Además, varios de los luchadores tienen poderes ocultos, y cargan con pesadas (y poderosas) herencias, es decir, técnicas ocultas que se transmiten de generación en generación. Al autor le gusta mucho recurrir a largos flashbacks y suele estructurar la historia en arcos argumentales.

Respecto a las adaptaciones, la primera que vio la luz fue la serie de Tv. Contó con 24 episodios, emitidos entre el 01 de Abril y el 16 de Septiembre de 2004. La producción corrió por cuenta de Madhouse, con la dirección de Koshifumi Kawase (Bayblade) y diseño de personajes de Takahiro Umehara (Bayblade; Claymore). Poco después saldrían dos OVAs, titulados Tenjho Tenge: Ultimate Fight, exactamente el 16 de Marzo de 2005, con los que se buscó continuar desde donde había dejado el anime. En lo que a fidelidad se refiere, la adaptación es bastante correcta sobre todo en la primera parte. Luego recorta escenas y rearma la historia para encajarla al anime, que termina con un final abierto y dejando varios cabos sueltos. Como es de suponer, dado que el manga aún no había finalizado, la serie adapta hasta que la trama vuelve al presente, luego del flashback al pasado de Aya y Mitsuomi. Más o menos sería hasta el volumen 8 . Otra cosa a remarcar es que se suavizaron notoriamente los desnudos y la violencia, atenuando el contenido sexual. Los OVAs vendrían casi a ser como los capítulos 25 y 26, retomando algunas cosas sobre Souichiro (del que poco se había hablado en la serie), mostrándolo en estado Magarabai y metiendo además rellenos innecesarios. Pero no es lo único: también salió Tenjho Tenge: The Past Chapter, un especial para Tv dirigido y producido por la misma gente que se encargó de la serie de Tv, y que recopila el flashback del anime.

TENJHO TENGE © 1997 by Oh! great/SHUEISHA Inc.
TENJHO TENGE © Oh! great • SHUEISHA/avex・GENEON USA

Repaso comparativo: Hatsukoi Limited

Escrito el 02/08/2010 por Micaela Desprès

Volvemos a los repasos semanales, esta vez para hacer referencia a una autora emblema en lo que tiene que ver con las historias románticas, pero relatadas desde el punto de vista del protagonista masculino. Como para que dicho género no quede asociado exclusivamente a machos hiper desarrollados y que la tienen re clara, que atacan a jovencitas vírgenes e indefensas. Acerca a los muchachos a un género que suele dejarlos afuera como público lector. En este caso particular, la obra es Hatsukoi Limited, de la que Ivrea ya publicó los primeros tres volúmenes, con el cuarto y último a salir en los próximos meses. La edición respeta el mismo formato original japonés. Pero no es la única obra de Mizuki Kawashita que tiene Ivrea en su catálogo: también fueron publicados los 19 tomos de Ichigo 100 %, uno de sus títulos más exitosos, y Lilim Kiss.

Hatsukoi Limited está centrado, básicamente en las aventuras y desventuras del primer amor y relata varias historias paralelas de jóvenes adolescentes, sus compañeros y amigos, que van entrelazándose hasta formar un único relato del que todos son protagonistas. Como dice Kawashita en el tomo uno, en Hatsukoi no existe un único personaje principal , sino que todos lo son a la vez.  El manga de Hatsukoi (que, literalmente significa  “Primer Amor Limitado”) se publicó originalmente en la Shonen Jump de Shueisha, al igual que Ichigo 100 % unos años antes, entre octubre de 2007 y mayo de 2008. Posteriormente fue recopilado en 4 tomos.

La primera adaptación que tuvo la obra original fue a formato “Drama CD“, en Febrero de 2009. Posteriormente también se convirtió en una Light Novel escrita por Sawako Hirabayasi, llamada Winter Photography, también publicada por Shueisha en Marzo de 2009. Finalmente llegaría el anime, claro está, que adapta el manga en 12 episodios, emitidos originalmente en Japón entre el 11 de Abril de 2009 y el 27 de Junio de 2009. La producción corrió por cuenta de la gente de J. C. Staff, con la dirección de Yoshiki Yamakawa (a cargo del diseño de personajes para Di Gi Charat Nyo) y diseño de personajes de Tomoyuki Shitaya (Bakuman).

HATSUKOI LIMITEDo © 2007 by Mizuki Kawashita/SHUEISHA Inc.

The Last Airbender: el origen de la leyenda de Aang

Escrito el 28/07/2010 por Micaela Desprès

Desde hoy, y hasta el 12 de agosto, haremos el repaso -temporada por temporada- que le debíamos a esta genial serie: la del verdadero Avatar, la leyenda de Aang. ¿Por qué esa fecha tan precisa? Bueno, porque es cuando llega a la Argentina el largometraje live action, dirigido por M. Night Shyamalan. Más allá de las críticas y opiniones al respecto, que me las reservaré para cuando se haga la presentación oficial, me parece una buena excusa para hablar de una serie de primer nivel, bastante mal juzgada a simple vista. Sobre todo teniendo en cuenta que Nickelodeon confirmó que volverá a ponerla en su grilla, a partir del mes de agosto.

Avatar: The Legend of Aang (Avatar: La leyenda de Aang), también conocida como Avatar: The Last Airbender (Avatar: El Último Maestro Aire), fue creada por el dúo compuesto por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. Hasta su salto al estrellato absoluto, estos dos talentosos artistas habían trabajado como asistentes dentro de la productora Film Roman, colaborando en productos como Padre de Familia y King of the Hill (Los Reyes de la colina). Además habían sido compañeros de estudio. Juntos idearon la historia de Aang y sus amigos, de la que además fueron sus productores junto a Aaron Ehasz. Según Bryan, la idea les llegó en la primavera de 2001 medio casualidad, como suelen llegar las grandes. Parece que, mientras trabajaba, encontró antiguos dibujos hechos por él, entre ellos el de un hombre pelado de mediana edad. Bryan penso cómo se vería un niño calvo, lo dibujó y se lo mostró a Michael, que por algún motivo se acordó de un documental que había visto sobre exploradores atrapadaos en el polo sur. Y el resto parece haber llegado por una asociación de ideas: “Pensamos que podía haber un chico aire junto con mucha gente de agua atrapada en una tierra desolada llena de nieve…y quizás alguna gente de fuego que los presiona…o algo así” .

Lo bueno es que la gente de Nickelodeon les aceptó el el proyecto de inmediato, así que se pusieron a trabajar. Una primera muestra fue presentada en la Comic-Con de 2004 hasta que, finalmente, la serie se estrenó el 21 de febrero de 2005 en Estados Unidos. Sus 61 epidsodios fueron distribuidos en tres temporadas, llamadas Libro Uno: Agua, Libro Dos: Tierra y Libro Tres: Fuego. Así, cada episodio de cada temporada funciona como un capítulo de un libro. Los 20 capítulos del Libro Uno se emitieron hasta el 20 de Diciembre de 2005, aunque el final completo de la serie no se produjo sino hasta el 19 de Julio de 2008. Con un diseño inspirado en el manga y el anime, la serie obtuvo éxito entre grandes y chicos, logró el reconocimiento de la crítica especializada y se ganó varios merecidos premios. Tiene mucho humor, espectaculares escenas de peleas, y toca de manera muy creíble sensaciones y estados de ánimo completamente humanos.

La historia transcurre en un país que no es de aquí ni es de allá, pero con una clara influencia asiática, con artes marciales y manipulación de elementos. Allí, la humanidad está dividida en cuatro naciones: Las Tribus Agua, El Reino Tierra, La Nación del Fuego y los Nómadas del Aire. Existen también extrañas criaturas y espíritus. En cada nación existen personas capaces de dominar su elemento de origen, que son llamados “maestros”. Sin embargo, la mayor parte de la población está constituida por personas normales, que no pueden dominar ningún elemento, lo que le da algo de la cuota de realismo que tiene la serie. De esta esta regla están exentos los nómadas del aire, ya que todos sus habitantes son maestros. Para mantener el equilibrio entre las naciones y garantizar la convivencia en paz, en cada generación nace un Avatar, que es la única persona capaz de dominar los cuatro elementos. El Avatar se reencarna siguiendo un ciclo determinado (aire, agua, tierra, fuego) que se va repitiendo, siguiendo el patrón de las estaciones (y de los libros, aunque no haya libro “aire”): otoño, invierno, primavera, verano, respectivamente. Así, a un Avatar nacido en la tribu Aire, le seguirá otro que reencarnará en la tribu Agua y así sucesivamente. La serie arranca 100 años después de que el Rey de la Nación del Fuego iniciara una guerra para dominar las cuatro naciones. Sabiendo que el próximo Avatar iba a nacer en la Nación Aire, inicia una genocida camapaña y extermina a todos los maestros aire, excepto al verdadero Avatar…un niño de 12 años que pasará 100 años congelado hasta ser despertado por dos hermanos. Acá comienza la Leyenda.

Pero para saber cómo sigue deberán esperar una semana más, donde hablaremos de los Libros más en detalle. Y en la última parte, haremos referencia a la peli, un día antes de su estreno en Argentina. A esperar :)


Repaso nostálgico: Taz Mania

Escrito el 26/07/2010 por Micaela Desprès

De la misma época  y estilo que otras series que ya hemos repasado en estos bloques nostálgicos, como Animaniacs, Fenomenoide, Pinky y Cerebro o Tiny Toon Adventures, otro de los personajes salido de la cuna de los Looney Toons que tuvo serie propia fue el Demonio de Tasmania: Taz. El psicótico dibujito tuvo su primera histórica aparición allá por 1954, pero tuvo que esperar hasta los 90 para tener su serie propia.

Taz fue creado por Robert McKimson, como la mayoría de los personajes originales de los Looney Toons. Se dice que Robert se inspiró en un animal real, conocido como Sarcophilus harrisii, un marsupial (como el koala) carnívoro oriundo, claro está, de la isla de Tasmania, al sur de Australia. Parece que el animalito tiene un apetito voraz, lo que le dio la idea a McKimson para dar lugar a Taz y su manía de tragar todo lo que se encuentra en el camino.  Pero la cosa no le fue bien al pobre de Taz, porque sólo pudo aparecer en cinco cortos animados, antes de que el estudio de animación de la Warner Bros cerrara sus puertas, en 1964. Además, para los productores, era muy desagradable.

Sin embargo, quienes le habían dado vida lograron mantenerlo a flote, a fuerza de apariciones esporádicas en otras series y gracias al constante merchandising. Es así como, para fines de los 80 y a pesar de no tener serie propia, seguía siendo muy popular. La situación cambió a principios de los 90, cuando finalmente llegaría la merecida Taz Mania. Sus 65 capítulos se emitieron entre 1991 y 1993, a través de Fox. Allí aparecía Taz y su familia, y varios amigos de Tazmania. La serie fue creada por Art Vitello, con Jim Cummings (el narrador de Animaniacs) interpretando la voz original en inglés de Taz. Porque si quería, podía hablar.

Taz Mania también llegaría a nuestro país, junto con otras de Warner, siendo un personaje muy recordado y querido por estos pagos.

La intro


Cine: Hansel & Gretel

Escrito el 21/07/2010 por Micaela Desprès

Llega Hansel & Gretel. No, no es una versión de Disney de este clásico de la literatura infantil. No es tampoco una versión Live Action protagonizada por los actores de High School Musical. Viene de Corea del Sur, tiene sangre, muerte y no es apta para quienes esperan ver la historia original creada por los Hermanos Grimm. Este film es del año 2007 y se trata del segundo trabajo del director Yim Pil-Sung, que debutó con Antarctic Journal en 2005.

En lo que respecta a la trama, la historia arranca cuando el joven Eun-Soo se dirige en auto a visitar a su madre enferma. Un hijo muy dedicado, como verán. Pero además tiene a su novia embarazada, que le reclama el complejo de edipo por teléfono. Pensando en cualquiera mientras conduce, obviamente choca. Si bien sale ileso, está bastante confuso y perdido ya que el accidente se produce en una zona bastante desierta de gente y rodeada por un espeso bosque. Así que el chico empieza a caminar en busca de ayuda, pero cae rendido a mitad de camino. Cuando despierta, está rodeado por una niña que sostiene una linterna. La pequeña, llamada Young, lo guía hasta su casa, donde vive con sus hermanos Jung Soon y Manbok, y sus papás. El hogar parece realmente salido de un cuento. Incluso se llama, dudosamente, La Casa de los Niños Felices. Ya sabemos que los lugares con esos nombres albergan exactamente lo contrario….Eso descubrirá Eun-Soo con el correr de los días.

Este film fue presentado en el BAFICI de 2009, así que es un dato muy bueno que finalmente vaya a estrenarse en el circuito comercial oficial. El film toma elementos del libro original de los Hermanos Grimm, como es el abuso infantil, y los lleva al extremo para crear un film de terror puro y crudo. A la Argentina llega el 12 de Agosto.

El trailer


Mega repaso: el universo Battle Royale

Escrito el 19/07/2010 por Micaela Desprès

Porque una serie adaptada a tantos formatos no podía quedarse afuera del repaso comparativo, es que ahora le toca el turno a Battle Royale. El origen de este universo se remonta a la novela homónima, escrita por Koushun Takami, y que fue publicada originalmente en Japón en abril de 1999, y pronto se convirtió en un verdadero best seller, un poco por su calidad y otro poco por la controversia que generó. Se trata de una historia distópica, es decir, una utopía cuya concreción de algún modo terminó perjudicando a la humanidad. Como ya lo dije en otro post, la distopía es como una utopía perversa, donde las cosas transcurren al revés de como debería ser una sociedad ideal. Suele usarse sobre todo en términos de ficción, ya que la distopía suele llevarse a términos apocalípticos. En el caso de BR, la trama original se ubica en una línea temporal alternativa, donde Japón se ha ido convirtiendo en un estado fascista y autoritario, desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Un estado donde se potencia la competencia y el desarrollo individual, y donde la idea de comunidad es casi inexistente. No hace falta remarcar el tono crítico y caricaturesco que presenta la obra, llevado al extremo, de lo que la sociedad japonesa realmente exige a sus jóvenes.

Volviendo a la trama, en este universo distópico, las cosas están un poco fuera de control, con desempleo masivo y la juventud sin frenos. Es así como el gobierno sale con una solución extrema: crea el juego Battle Royale. Cada año es seleccionado un curso de alguna escuela para que vaya a una isla desierta, donde tendrán que asesinarse entre sí en sólo tres días hasta que uno sólo de ellos sobreviva. Si se rehúsan, todos y cada uno morirán al instante mediante un dispositivo especialmente colocado para ello. Situaciones extremas, generan reacciones extremas, y el instinto de supervivencia despierta las características más ocultas de nuestra personalidad. No diré más para evitar spoilear a quienes no hayan visto ni leído ninguna de las versiones.

La primera adaptación que vio la luz fue el largometraje live action del año 2000. Este primer film fue dirigido por Kinji Fukasaku, con guiones escritos por su hijo Kenta Fukasaku, y las actuaciones de Takeshi Kitano y Tatsuya Fujiwara (Light en el live action de Death Note). Contó con el asesoramiento del propio Takami, autor de la novela original, lo que hace que la película siga básicamente a la trama original. Justamente por la violencia explícita que tiene, hubo intentos por prohibir su salida en Japón. Incluso sufrió censuras en varios países, como Alemania. Luego llegó la segunda película, llamada Battle Royale II: Requiem (abreviada como BRII), estrenada en Japón en Julio de 2003. Contó nuevamente con la dirección de Kinji Fukasaku, y la colaboración de Takeshi Kitano, pero Kinji falleció a los pocos meses de iniciar la filmación. Su hijo Kenta, que hizo los guiones de ambas, tomó la posta y se la dedicó a su papá. Si bien es la secuela directa del primer film, su plot es original y no se basa en la novela de Takami. Los alumnos elegidos para el juego, en lugar de matarse los unos a los otros, deben eliminar a los integrantes del grupo Wild 7, creado por Shuya Nanahara (protagonista de la trama original de la novela, y que aparece tanto en la primera película como en el manga), que le juraron guerra a los adultos de Japón. Además, ahora se juega por parejas: si tu compañero muere, vos también. Esta peli tiene una versión extendida llamada Battle Royale II: Revenge, e incluso una novelización.

A posteriori llegaría la primera versión manga, de la mano de Masayuki Taguchi y del propio Takami. Ambos coescribirían los guiones, con Taguchi aportando sus realistas y grotescos diseños. Claro que este manga adapta y amplía la novela original de Takami. Incluso para su autor original, esta nueva versión de la historia es mejor porque se pudieron desarrollar mucho más los personajes. Habría que ver si opina lo mismo del final a lo “Heal The World” que presenta este manga. Se serializó en la Young Champion Magazine, de Akita Shoten, entre Noviembre de 2000 y Enero de 2006. Se recopiló luego en 15 tomos, que Ivrea publicó de forma completa, en idéntico formato al japonés, es decir, volúmenes de 200 páginas con sobrecubiertas. Pero eso no es todo en lo que a mangas se refiere: queda Battle Royale II: Blitz Royale, inédito en Argentina. Curiosamente, este manga de dos tomos no fue serializado sino que fue directo a tankoubon, publicado por Akita Shoten, aunque sí tuvo una especie de preview en la Young Champion Magazine. Ligeramente inspirado en la segunda película, está guionizado por Koushun Takami, con dibujos de Hitoshi Tomizawa, mucho menos poderosos que los de Taguchi. Sobre la historia, los alumnos de tercero “A” creen estar a salvo del fatídico juego ya que su colegio no fue elegido. Pero no saben que les espera algo mucho peor.

Así, resumiendo, la novela original se adapta (diferencias más, diferencias menos) en la primera película y en el primer manga, que publicó Ivrea. Las demás, son versiones originales. En todas las adaptaciones que siguen a la novela, hay personajes inventados o modificados para la ocasión. Por ejemplo, el “profesor” que dirige el juego desde la isla. Para la novela es Kinpatsu Sakamochi. Para el manga se llama Yonemi Kamon, pero es igual de sádico que Sakamochi y mueren de forma similar. Pero en la peli, Kitano es bastante diferente a los demás. Opten por el formato que más les guste y aprovechen una gran historia.



Más novedades en la Tv local

Escrito el 17/07/2010 por Micaela Desprès

Más novedades en la pantalla local, a partir de agosto:

En Universal termina la temporada 20 de la exitosa y longeva La Ley y el Orden, el 24 de agosto a las 22 hs. Cabe recordar que la serie fue cancelada a principios de este año, aunque todos sus spin off continúan su marcha. También llegan nuevos episodios de Greek y de la primera temporada de Three Rivers.

Por otra parte, Fx anunció que habrá un especial el domingo 29 de agosto a las 22 hs. Se trata del episodio 150 de Padre de Familia, que tiene una duración de una hora. En “Tiempo Real”, Brian y Stewie quedan encerrados en la bóveda de un banco.

Studio Universal trae una nueva temporada de la versión femenina de House, Nurse Jackie, desde el domingo 8 de agosto a las 21 hs. Finalmente cabe remarcar la llegada de la serie Trial & Retribution, por Space, desde el primer martes de agosto a la medianoche. Se trata de un drama policial, que empezó a emitirse en 1997, y cuenta con 12 partes, de dos episodios cada una. Cada “sub serie” presenta un crimen, una investigación, un caso a resolver. Esta especie de mega saga fue creada por Lynda La Plante, la misma de la serie Prime Suspect, y otros grandes policiales ingleses de las últimas décadas. En cada especial, el equipo liderado por el detective Michael Walker (David Hayman) se enfrenta a un delito, lo investiga y lo lleva a juicio, intentando resolver los crímenes más terribles.


Pájaros volando: lo nuevo en cine de Capusotto

Escrito el 14/07/2010 por Micaela Desprès

Sí, mucho cine yanki. Así que, haciendo caso a muchos que pedían variar un poco el tiempo y el lugar de las películas que aquí repasamos, nos quedamos por la Argentina. Y para matar dos pájaros de un tiro (Turúm-Tum-Plazzzz!), además reseñamos sobre el último largometraje del talentoso Diego Capusotto, que se estrena en las pantallas de los cines locales el 05 de agosto. Qué mejor forma de cambiar un poco la onda de lo que vemos, que poniéndole fichas a Capu con sus “Pájaros Volando”.

La peli no sólo está protagonizada por Capusotto, sino también por Luis Luque, un actor muy convincente que tanto puede hacernos cagar de risa -como en Tiempo de Valientes– como odiarlo profundamente -aquí la lista es más larga. La dirección corre por cuenta de Néstor Montalbano que, junto a Pedro Saborido, Diego Capusotto y Fabio Alberti, dirigió, produjo y escribió el genial y recordado Todo por dos Pesos. Pero antes ya había dirigido De la Cabeza (el programa delirante de 1992, con Alfredo Casero, Fabio Posca, Rodolfo Samsó, Fabio Alberti, Mex Urtizberea y Diego Capusotto) y Cha, Cha, Cha (al que todos supongo conocen). Al menos, apriori y con esos nombres, la cosa parece pintar bien. Pero además, Diego, Luque y Montalbano ya trabajaron juntos en el film Soy tu Aventura. Completan el elenco Verónica Llinás, Alejandra Flechner, Juan Carlos Mesa y Damián Dreizik, responsable también del guión del filme.

Pájaros Volando presenta a José (Diego Capusotto), que vive en Buenos Aires con su complicado padre, con quien tiene una relación medio tirante. De profesión músico, supo cosechar un poco de fama años atrás cuando, con su banda Dientes de Limón, consiguió un poco de éxito con el tema “Pájaros volando”. Pero esas son viejas y nostálgicas épocas: ahora se las arregla como remisero. La situación empieza a trastocarse cuando se reencuentra con su primo Miguel (Luis Luque), ex miembro de Dientes de Limón. El tipo le cuenta que está viviendo en las sierras cordobesas, en un pueblito medio hippie, donde se dedica a vender artesanías de ovnis y extraterrestres. Harto de la mediocridad de su cotidianeidad, José se larga con Miguel a vivir a la comunidad, donde sus habitantes esperan ser abducidos por aliens.  La vida de José se dará vuelta entre enanitos verdes, rock and roll y gente muuuuy extraña.

El tema “Pájaros Volando” fue grabado de verdad por el propio Capusotto junto a David Lebón (que también es autor del tema) y formará parte de la banda de sonido de la peli, que también saldrá a la venta. El disco incluye clásicos posta, en sus versiones originales, del rock nacional. El director dijo: “El humor en esta película pasa por encontrar la impronta de los talentos que tengo, y llegar hasta el desparpajo”. Nada más que agregar.

Algunas escenas:


¡Llega el anime de Claymore en Agosto por CityVibe!

Escrito el 12/07/2010 por Micaela Desprès

Luego de varios meses de abstinencia en lo que a estrenos de anime se refiere, finalmente CityVibe se la juega de nuevo y trae la serie de Tv de Claymore, basada en el manga homónimo. Se emitirán dos capítulos, todos los sábados de agosto, por lo que lógicamente está confirmada la emisión de los primeros 8. El capítulo inicial llega el 07 de agosto a las 19, y el segundo a las 19.30. Para los que puedan aprovecharlo, y tengan la señal (forma parte del paquete premium de Movie City), es una buena oportunidad para ver una buena historia. Como es ya costumbre, Cityvibe emitirá la serie en su idioma original japonés con subtítulos en castellano, sin censura de ningún tipo.

Claymore arrancó, claro está, como un manga. La serialización comenzó en Mayo de 2001, en la revista Monthly Shonen Jump, de Shueisha. Poco tiempo después se mudó a la Weekly Shonen Jump, debido a la discontinuación de la revista inicial. Ahí se quedó hasta que Shueisha creó la revista Jump Square, reemplazo oficial de la Monthly Shonen Jump, que es donde actualmente continúa. Hasta la fecha salieron 105 capítulos del manga, de los que 95 ya fueron recopilados en tomos. Así es como, hasta la fecha, existen 18 tankoubons. El autor del manga es Norihiro Yagi, cuyo éxito anterior a Claymore fue Angel Densetsu, un manga de 15 tomos publicado en la Monthly Shonen Jump.

En lo que respecta a la trama, en el universo de Claymore, los humanos coexisten con unos monstruos llamados Youma, que se alimentan de las entrañas humanas. Para frenarlos, una organización crea a los Claymore, guerreros mitad humanos, mitad Youma, pero no por simple caridad sino a cambio de una determinada cuota. Cada guerrero tiene un rango, de acuerdo a su fuerza y capacidad. La gente los llama Claymore debido, entre otras cosas, a las espadas que portan. Aclaración: el término se utiliza comunmente para hacer referencia a los dos tipos de espadas escocesas que existen. Volviendo a la historia, los humanos también los llamaban Brujas de ojos plateados por su apariencia y su frialdad. La protagonista de la historia es una Claymore conocida como Clare que, en una de sus cacerías, conoce a Raki, un chico cuyos padres fueron asesinados por los Youma. Inician su viaje juntos, pero las circunstancias van cambiando el camino de ambos. Clare, como todo Claymore, deberá  intentar aumentar sus poderes para combatir a los Youma, pero sin perder su cuota de humanidad.

El anime, producido por Madhouse, fue emitido originalmente en Japón entre el 03 de Abril de 2007 y el 25 de Septiembre de 2007, contando con un total de 26 episodios. El director fue Hiroyuki Tanaka (guionista de Chobits y director de los OVAs de Hellsing a partir del volumen 5), mientras que el encargado de la composición general de la serie fue Yasuko Kobayashi (Shakugan no Shana; Pita Ten). El diseño de los personajes corrió por cuenta de Takahiro Umehara (Tenjho Tenge; Beyblade). Esta serie adapta hasta el volumen 11 del manga, en los primeros 24 episodios. Los últimos son un invento, para darle algún final al anime. Quedan cosas sin responder y es medio confuso, pero era de esperar dado que el manga sigue su camino. Se habló de una posible segunda temporada, como se ha hecho en muchos animes, pero aún no hay confirmación oficial al respecto.

Claymore ©Norihiro Yagi / Shueisha © DNDP, VAP, avex entertainment, Madhouse / CityVibe es © LAPTV S.A.



Clásicos de la literatura: Fahrenheit 451

Escrito el 10/07/2010 por Micaela Desprès

Esta novela forma parte de mi lista sobre los libros que hay que leer antes de morir. Clásico si los hay, no pueden dejar de meterse en sus páginas si es que aún no lo leyeron. Fahrenheit 451 carga con el peso de haberse convertido, quizás incluso a pesar de su autor, en un emblema de la libertad de expresión, la lucha contra la censura, el libre pensamiento y demás. ¿Por qué? Bueno, básicamente porque describe un futuro extraño y terrible en el que está terminantemente prohibo leer, y donde los libros deben ser quemados sin contemplaciones. Justamente el título hace alusión a la temperatura en la que el papel de los libros arde y se quema.

Fahrenheit 451 es una novela distópica, es decir, una utopía cuya concreción de algún modo terminó perjudicando a la humanidad. La distopía es como una utopía perversa, donde las cosas transcurren al revés de como debería ser una sociedad ideal. Suele usarse sobre todo en términos de ficción, ya que la distopía suele llevarse a términos apocalípticos. Fahrenheit fue escrita por Ray Bradbury, escritor estadounidense de ciencia ficción y terror, nacido el 22 de agosto de 1920. Es autor también de Crónicas Marcianas, entre otros títulos. En cuanto a la novela que nos toca repasar, inicialmente fue publicada por capítulos en la revista Galaxy Science Fiction de febrero de 1951. Tuvo luego una primera edición en 1953 y, un año después, volvió a serializarse pero esta vez en la revista Playboy.

En la trama de Fahrenheit 451, Guy Montag es un bombero. Pero no uno tradicional, de esos que apagan incendios, sino que pertenece a una brigada que se ocupa de generarlos. Precisamente para quemar libros. Porque en la sociedad en la que vive Montag, leer esta prohibido. Porque hace pensar, y eso no se puede, y porque se supone que leer impide ser felíz, al menos en los términos que establece ese futuro distópico: ser felices calma a las fieras, trabajan y no se quejan. Además, leer hace que los hombres se diferencien, y en esa sociedad deben ser todos iguales a la fuerza. Aunque Montag realiza su labor convencido de los objetivos, cuando conoce a Clarisse McClellan, sus indiscutidos ideales empezarán a resquebrajarse. Nada de spoilers, a leer se ha dicho.

Fahrenheit 451 tuvo muchas interpretaciones políticas. Se lo tomó como una crítica a la censura de libros aplicada en Estados Unidos por el presidente Joseph McCarthy, aunque Bradbury dijo que también se podía aplicar a los efectos de los medios masivos en el hábito de la lectura. La idea que atraviesa el libro es clara y universal: cada uno puede encontrar ejemplos que cuadren y serán válidos, creo yo. En 1966 se realizó una película homónima sobre el libro, dirigida por François Truffaut. Inspiró además el libro de Michael Moore, Fahrenheit 9/11, y una obra de teatro llamada Fahrenheit 56k, sobre la libertad de expresión en internet, o algo así :P No se lo pierdan.


Pages:«1234567...14»